艺术家在沙滩上画出迷人的几何图案，规模庞大令人震撼

“协调混乱II”，加利福尼亚，2019年

      旧金山艺术家安德烈斯·阿马多尔自2004年以来，一直在沙滩上进行大规模的设计。他的图案从几何设计到曼陀罗再到水流，所有这些都在波浪回到岸边时消失了。当他的环境艺术实践开始于北加利福尼亚时，他现在在世界各地的海岸上创作他的艺术作品。 

      “我过去15年的工作重点是不断变化的。地景艺术在我学习书法、古代建筑和所有学科的科学的启发下，”阿玛多写道。“这些艺术品可以跨越100,000英尺，只有在海滩露出低潮时才能达到。”沙子上的这些蚀刻在艺术和环境之间创造了一种对话，同样地，在艺术家和他自己的作品之间也创造了一种对话。阿马多进程的短暂性邀请他去思考超越它的话题。他继续说：“通过这种艺术形式，我开始重视创作的沉思行为。”“整个行为变成了对当下的沉思，庆祝，与生与死和平相处。”

      我们有机会和阿马多谈谈他的地景艺术以及他如何在沙滩上接触这些不朽的图画。继续读独家专访。

“磁盘”，“灰狗海滩”，加州，2017年

你是怎么开始做沙子艺术的？

      在景观艺术之前，我做过雕塑工作。那项工作最终证明是高度几何的。在研究我所创造的形式时，我无意中发现了古代祖先用来设计他们巨大的庙宇和建筑的方法。麦田圈分享许多这些技术，所以我的眼睛也画在那里。然后，当我在海滩上和一位朋友分享我所学到的东西时，我突然意识到，用一块像海滩能提供的那样大的帆布，我能做些什么。  

“磁盘”，Kehoe，加利福尼亚，2017年

“磁盘七”，加州，2017年

您的大多数设计都集中在模式上。你对这些抽象作品的灵感是什么？

      大自然是我的终极灵感。在最初的几年里，几何作品是我的重点，因为那是我进入大规模创作的入口。那时我的研究转向了自然的分形和模式。我的几何作品对我来说是个大问题。他们感到静止和无生气，而这些新的研究领域却充满活力和活力。我一直被大自然所吸引，但却永远不知道如何破译我所看到的东西。然后我顿悟到，自然界中有一些过程在发生，我们看到的模式就是结果。

      例如，在某种温度阈值下，大气中的水分会沉淀并形成云。如果温度升高，水就会蒸发。如果水分上升，可能会下雨。这是一个动态的过程，它可以通过观察云的出现、移动、演变来被欣赏。云不知道它看上去是什么样子--它只是其他力相互作用的结果。也可以考虑水或风形成的沙子中的涟漪。或者树木生长对光的反应方式。每个物种都有自己的方式，在森林中形成自己的可识别但又各自独特的轮廓。因此，我开始模仿这种明显的复杂性，将简单的过程结合在一起--这些过程可以在很大的范围内结合在一起，而不必以任何特定的方式(就像我对几何工作所需要的那样)。这样，艺术作品就会在没有特定的方向或意图的情况下“出现”。

      这些天来，我一直在结合这些“几何”和“有机”的方法，承认我们存在的秩序和混乱的一面。 

“协调混乱I”，旧金山，2019年

“协调混乱I”，旧金山，2019年(细节)

你对每个设计的创意过程是什么？

      我总是记录和拍摄我在世界上看到的模式，无论是自然的还是人为的，并对它们进行困惑，以了解什么是正在发生的，以及我能学到什么可以在大规模的应用中应用。有时，我在景观层面的工作方法会给出它自己的可能性。我将在我的素描簿中探索所有这些。当一个设计演变成某种感觉成熟的东西时，它就进入了一个想法的“锅”中，当我下一次去海滩的时候，可以从中选择。一旦能够亲自评估一个地点，我就会选择适合海滩环境的设计。每个设计都有自己的方法。有时，我对开始之前的事情有更好的了解，有时这个过程会以某种不可预见的方式崩溃。

“曼达拉”，斯丁森海滩，加利福尼亚，2015年

在你访问某个地点之前，你是否有一个想法，或者你是否当场就创作了一些作品？

      在大多数情况下，我来到海滩时没有特定的先入之见。然而，一旦我开始了一项新的工作，我知道我将遵循的过程。所以我不会在我走的时候编造它--有一个某种计划让我能够在这么大的范围内把它放在一起。一般来说，当我到达一个新的地点时，我就准备好了我一直在努力的各种可能性。然后，根据海滩的条件，我决定什么是最合适的--海滩是宽的还是窄的，倾斜的还是平坦的，等等。

      有些设计需要更多的空间，有些设计在有天然的角落和裂缝填补时效果最好。有时候，我可能会在一个地方呆上几天，在这种情况下，我可以针对特定的情况进行设计。艺术作品和风景之间可以进行对话，我永远不能想当然地认为海滩会呈现出什么样的景象。它们在整个月和一年中都在变化，所以我必须灵活地对待我所做的事情。

“子结构V”，“半月湾”，加利福尼亚，2009

“秀丽一号”，Sayulita，墨西哥，2014年

你如何看待你的艺术的短暂性？

      在我做了这门艺术很久之后，短暂性在我的经历中所起的作用比开始的时候要少一些。一开始，艺术有一种颠覆性。这并不是说我在任何方面都是特别的，因为我创造的艺术不是为了长久，而是作为一种文化规范，我们认为永恒具有更大的价值。但通过这门艺术，我认识到，在漫长的时间内，没有任何东西会持续下去。最终，我所做的和人类曾经做过的所有事情都将被抹去。

      它使我认识到，从本质上讲，对永恒的渴望是对我们死亡的恐惧。我们如何选择在这种有限的存在中度过我们的时间？这是一个既具有挑战性又能鼓舞人心的根本问题。它把我带到了下一个认识：除了那些提升我精神的事情之外，还有什么值得做的呢？这让我允许自己让艺术在我的生活中占据更大的位置，把这么多精力投入到几乎马上就会被冲走的东西上。我的艺术是这一更大意识的指针--当生活经历发生时，要重视它。

“扭曲的田野”，旧金山，2009年

随着时间的推移，你的艺术实践发生了怎样的变化？

      关于我工作的发展，有几件事我很欣赏。20多年前，在我的专业艺术作品开始的时候，我几乎总是待在室内，由于我正在建造的雕塑，我经常在接近黑暗的地方，弯腰做精细细致的工作。在外面和海滩上工作(赤脚！)是一个巨大而受欢迎的变化。我的艺术-把我的身体当作画笔，让我与我的创作有了更大的联系。

“Flow II”，斯丁森海滩，加利福尼亚，2015年

有什么你最自豪的艺术品吗？

      流动II是我最大的作品，与一个特定的景观。我的灵感来自于日本水彩画中流淌着的一条河。我在航拍上设计的。能够像从上面画出的笔画一样，穿过这条长长的弯曲线是相当困难的。对于一个有机的设计，我有一个具体的结果，外观和感觉自然从上面，但在地面，这是一个巨大的距离，我必须“感觉的笔触。”

“拇指纹”，波士顿，2019年

“第二场”，加利福尼亚，2018年

你怎么知道一项工作什么时候完成？

      不同的设计有不同的结局。有些需要达到一定的完成。有些可以无休止地继续下去，当我的画布用完，海浪回来，或者我准备停下来的时候，它就完成了。一个设计在作为一个概念完成之前可能需要几次尝试。

做一个艺术家最好的事情是什么？

      我很感激我能以创造性为生，以我的方式来表达我是谁。创造给这么多人带来欢乐、惊奇和灵感的工作是令人欣慰的。

“磁盘六号”，苏特罗·巴斯，加州，2017年